CristinaHuarte

Esta serie nace de una necesidad de metamorfosis y del estudio de la krisis. Ese estado donde mudar la piel no es una pérdida, sino el mecanismo exacto de supervivencia.

A través de exuvias —pieles de serpiente— y la simbología de la mariposa, exploro el desprendimiento como un acto de luz donde el cuerpo reclama una nueva presencia. El proyecto se despliega en un diálogo entre la memoria del trazo y el archivo vivo.

En las litografías, traslado el registro gestual y efímero de mi bitácora diaria a la dureza de la piedra. Es una alquimia donde el rastro del proceso se asienta en el mármol, convirtiendo el cambio constante en un refugio de materia; la intervención del oro consagra este desprendimiento, otorgándole al cuerpo una entidad propia.

Por otra parte, el libro de artista funciona como un velo del pensamiento que precede a la forma; un espacio donde la escritura convive con la voz y el dibujo para documentar el origen de cada imagen. En sus páginas exploro la raíz sánscrita Kri, ese punto de convergencia donde se encuentran la crisálida y el crisol.

Hay una ferocidad en los ciclos de la naturaleza que nada tiene de amable. Es un estado rotundo donde el cuerpo se ve obligado a mutar para generar sus propias defensas. Mi trabajo sucede ahí.

En ese cruce donde la seducción de la forma se encuentra con un peligro latente, articulo la figura de la serpiente como cuerpo en alerta que convive con la fragilidad de lo floral. Aquí la metamorfosis ocurre a través del veneno; una simbiosis donde lo orgánico se desborda y el color señala ese instante donde la vida florece con una intensidad que roza la toxicidad.

Todo esto toma cuerpo en la escultura Corazón del cielo, un exoesqueleto que sirve de protección para las pinturas en papel amate. Trabajo el amate como si fuera mi propia piel: una superficie porosa donde voy dejando el rastro del error y la herida.

En estos dibujos el cuerpo se funde con serpientes enroscadas, alas de mariposa y la presencia del zopilote, hilvanando un archivo de afectos que me niego a anestesiar. El proyecto encarna una ecología donde la materia sostiene el tejido de los recuerdos frente al colapso de lo exterior, convirtiendo el rastro del trauma en una trama de resistencia orgánica.

Este proyecto nace de un proceso colectivo y se manifiesta como una resistencia; un cuerpo que ejerce su pulso en la penumbra de la ruina. Encarno una entidad cubierta en barro negro que carga el peso del hierro, portando alas con destellos de ámbar y un casco que proyecta luz desde el interior.

Los testimonios de las mujeres con las que trabajé en Oaxaca y San Cristóbal de las Casas son el motor que sostiene la estructura. Utilizo la obsidiana para cortar el espacio y proteger el archivo, mientras el ámbar actúa como memoria fósil para anclar la materia a un tiempo antiguo y profundo.

Al integrar el casco de hierro al rostro, la capacidad de observar ya no depende de la claridad del entorno, sino que nace del contacto directo entre el metal y la piel. Un instinto de mirada para reconocerse en la oscuridad.

En el videoperformance, la acción se desplaza hacia el recogimiento. Me sitúo en un círculo de fuego que actúa como escudo; una frontera necesaria para procesar la memoria donde el fuego no destruye, sino que templa la materia antes de la siguiente transmutación.

Utilizo el báculo como una columna vertebral externa. No es un objeto que sostengo: me mimetizo con su verticalidad para fijar un anclaje de identidad sobre el espacio. La pieza ordena mi postura y me obliga a habitar el lugar desde una verdad matérica.

La talla del cóndor y el punto de luz articulan una extensión de la visión. Una presencia que me ancla al suelo. Como instalación, la pieza gravita sobre una base de espejo que duplica su escala y sitúa al espectador en su mismo plano.

El oro actúa aquí como una piel: una membrana que dota de una nueva carga a la materia en bruto. Un sostén que conecta la tierra con la proyección del pensamiento.

Concibo estos dibujos como un proceso de hibridación. Aquí la metamorfosis no es representación, sino una acción física. La pluma de cóndor se integra en el papel para forzar una mutación entre lo humano y lo animal.

Me interesa el rastro que deja el grafito como la coreografía de esa transformación; una tensión donde la levedad del trazo convive con la carga simbólica del ala.

La pintura deja de ser una capa superficial para convertirse en una materia que penetra la fibra animal. Utilizo la alpaca como un soporte vivo, una piel que conserva su memoria orgánica y reacciona de forma distinta al pigmento.

Estas piezas devienen como una metamorfosis del paisaje y el cuerpo. El óleo se funde con la textura del tejido, aprovechando la cualidad de la tela que cuelga para transformar la pintura en un objeto tridimensional con la gravedad de un resto corpóreo. Es un retorno a lo primario donde el material dicta la resistencia de la imagen.

Esta obra funciona como una sutura entre el cuerpo y el territorio. Utilizo la fibra de alpaca teñida con cochinilla para generar una membrana que conecta la temperatura de la piel con la frialdad de la piedra, invocando la resistencia de la flor de Qantu frente a la hostilidad del entorno.

En la performance, el material se manifiesta como un rastro hematológico; la cochinilla aporta una saturación que remite a lo visceral y a la memoria del paisaje. La «piel» se adapta a la dureza mineral, registrando una metamorfosis donde el cuerpo deja de ser una entidad aislada para fundirse con la orografía.

Esta obra monumental se plantea como un autorretrato-otro: una topografía de la desfiguración donde el rostro lucha por emerger de la oscuridad. A través del lápiz conté y la integración de pizarra pigmentada con ocre y ácido, construyo una superficie que se descarapela como una piel en estado de sanación.

La esfera de obsidiana funciona como un espejo oscuro que devuelve una imagen alterada de la identidad. Es un proceso de transmutación agresivo, un ciclo de consumo interno donde la figura se devora a sí misma. El formato monumental no busca la contemplación, sino el desborde y el peso físico del renacimiento.

Exploro la fragilidad como una forma de resistencia matérica. Utilizo rosas secas para trabajar con el residuo de lo orgánico, deteniendo su degradación a través del pigmento blanco.

La pieza registra la capacidad del aire y del tiempo para desvanecer la forma. No hay un afán de preservación, sino de señalar el rastro de la desaparición; un paisaje de lo leve donde la materia orgánica se vuelve costra y sedimento. Es un silencio frente a la saturación: la estructura mínima de un cuerpo que se niega a desaparecer del todo.

El fuego deja de ser un elemento externo para convertirse en la propia fuerza generatriz del dibujo. Utilizo el soplete para atacar la superficie, forzando una metamorfosis violenta donde el vacío de la quemadura es tan determinante como el trazo.

La obra se sitúa en el punto de no retorno de la materia al someterse al calor; el yeso y la madera registran una herida que el carbón no oculta, sino que señala. Es una investigación sobre la destrucción controlada donde la imagen surge de lo consumido, encontrando una nueva estructura en el residuo y la ceniza.

Guilt funciona como el registro físico de una carga somática. El cuerpo lidia aquí con el peso de lo que se silencia. La materia se manifiesta a través de una costra de caucho y pigmento rojo que se adhiere a la madera como un residuo visceral; una piel herida que no termina de cerrar.

Es el punto de partida de una investigación sobre la presión y la vulnerabilidad. El sedimento y la mancha adquieren una densidad física, fijando el momento exacto en que la culpa deja de ser una sensación para convertirse en una costra matérica.

En Snippets, la metamorfosis nace de la fractura voluntaria y la angustia de la fragmentación. El proceso comienza con un acto de destrucción. Rompo mis propios dibujos para desarticular la unidad de la figura y forzar una nueva estructura a través del collage.

Bajo la influencia del vocabulario winnicottiano sobre la integración del yo, estas mujeres fragmentadas lidian con el vacío. Son esquirlas que funcionan como narrativa de la identidad rota; un acto de desobediencia donde el cuerpo deja de ser una forma cerrada para convertirse en un ensamblaje de partes que intentan volver a sostenerse.